091219_artnet_에로틱게토를 벗어나,OUT OF THE EROTIC GHETTO_by Jerry Saltz

 

에로틱 게토를 벗어나, OUT OF THE EROTIC GHETTO
Sept. 28, 2009
by Jerry Saltz

http://www.artnet.com/magazineus/features/saltz/georgia-okeeffe-whitney9-28-09.asp

“조르지아 오키프: 추상화” ‘09. 9. 17~ ‘10. 1. 17  뉴욕 휘트니 현대미술관
"Georgia O’Keeffe: Abstraction," Sept. 17, 2009-Jan. 17, 2010, at the Whitney Museum of American Art, 945 Madison Avenue, New York, N.Y. 10021.
The Whitney’s welcome retrospective rescues Georgia O’Keeffe from sex and flowers.BR>

불쌍한 조지아 오키프 Georgia O'Keeffe (1887-1986). 죽음은 그녀의 예술세계에 대한 여론을 누그러트리지 못했다. 23년 후, 아름다운 그림 또는 예쁜 성기로 말할 수 있는 까다로운 화가인 그녀를 해체시키려는 시도가 많았다. “미국에 가장 유명하고 그림이 가장 비싸게 팔리는 여성화가”(1987년 그녀의 유화 한 점이 187만 달러라는 최고의 가격에 팔렸다. 2001년 오키프의 「붉은 아네모네와 칼라」는 2001년 크리스티 경매에서 620만 달러(당시 62억여 원) 경매가로 여성화가로서 최고가를 기록했으며, 그녀의 손을 찍은 앨프레드 스티글리츠의 전설적인 사진은 2006년 소더비에서 147만 2000달러(약 15억)로 사진 경매가 최고를 기록했다.)라고 대할 때조차 그녀는 이런 한정들로 휩싸였다.
;Poor Georgia O’Keeffe. Death didn’t soften the opinions of the art world toward her paintings. Twenty-three years later, many continue to dismiss her as a prissy painter of pretty pictures -- or, I should say, pretty genitalia. Even when hailed for being "the most famous and highly paid woman artist in America," she gets saddled with a qualifier.

미국 미술사에 어떤 형식도 그렇게 빨리 명성을 얻지 못했다. 어떤 여자들이 쓴 글은 목덜미가 싸늘해지게 한다. 비평가들은 “이 소녀”의 예술에서 “엄청난 고통과 황홀한 절정”, 그녀가 “자궁을 통해” 얼마나 느끼는가, 그리고 우리에게 “순교적인 여성의 육체적 감각”을 보인 것에 대해 글을 썼다. 그녀의 그림은 “생명의 수여자와 같은 여성의 정수에 대한 폭로”, “조밀하고, 진동하는, 영원한 생명”과 “여성에게 이미 알려졌던 세계”를 표현했다고 한다. 우리는 그녀의 “성적액체의 분출”, “육체의 넘치는 갈망” 그리고 “성기의 길고 커다란 폭발, 젊은이의 성기, 청소년의 성기, 성인의 성기... 돌출한 성기, 팽창한 성기, 수축한 성기”같은 것들로 해석했다. 그리고 그것의 추종자들!  안티였던 평론가 클레멘트 그린버그 Clement Greenberg는 1946년 MOMA에서 오키프의 회고전을 열었을 때-여성으로써 처음 연 개인전- 작품이 ”마치 착색사진 같다”며 경악을 금치 못했다. 침체된 남성작가(성기를 주제로 작업하던 이들!) 에드워드 호퍼 Edward Hopper와 존 슬로언 John Sloan 은 그녀가 1949년 국립문학예술연구원 NIAL, National Institute of Arts and Letters에 뽑힌 것에 대해 분통을 터트리며 방해하려 들었다.1949년 그녀가 국립예술문화원(NIAL)에 뽑힐 때는 에드워드 호퍼, 존 슬론 같은 남성 화가들이 방해하며 분통을 터뜨렸다.
;No other figure in American art history went from heights to has-been so quickly. See if these comments, some of them by women, don’t make the hairs on the back of your neck stand up. Critics wrote of the "great painful and ecstatic climaxes" in the art of "this girl," of how she felt "through the womb," and gave us a "sense of woman’s flesh in martyrdom." Her paintings were said to be a "revelation of the very essence of woman as Life Giver," expressing "dense, quivering, endless life," and "the world as it is known to woman." We read about her "outpouring of sexual juices," "loamy hungers of the flesh" and her art as "one long, loud blast of sex, sex in youth, sex in adolescence, sex in maturity. . . sex bulging, sex tumescent, sex deflated." And those were the admirers! Critic Clement Greenberg, a nonfan, was appalled when the Museum of Modern Art honored O’Keeffe with a retrospective in 1946 -- one of its first solo shows for a woman; her work was "little more than tinted photography." Threatened male artists (sex was their territory!) Edward Hopper and John Sloan were "furious" that she’d been elected to the National Institute of Arts and Letters in 1949 and "tried to intervene."

이런 홀대를 받고도 오키프가 98년 죽음에 이를 때까지 작업을 계속했다는 것은 엄청난 일이다. 그래서 그녀가 자신의 신화와 인기로 더 채울 수 있는 예술 밖 세상인 뉴멕시코에서 마지막 37년을 보내면서 관계로부터 고립되었다는 것은 그렇게 놀랍지 않다. 뉴멕시코 사막의 신비스러운 존재가 된 오키프가 대중에게는 그녀의 미술보다 더 많은 관심거리가 되기도 했다. 그녀는 자기 예술에 단호한 독립적인 예술가가 되어 있었다. 도로시 노먼 - 스티글리츠. 뉴멕시코의 광활한 사막에 영원히 정착하면서부터 오키프는 대작들을 쏟아내기 시작한다. 1997년 7월 18일 뉴멕시코 산타페 조지아 오키프 미술관이 개관.
;Given that reception, it’s amazing O’Keeffe continued making art until close to her death, at 98. Less surprising is that she did it in relative isolation, spending her last 37 years in New Mexico -- which only added to her mythology and popularity outside the art world.

휘트니미술관이 전시는 오키프가 이러한 조롱을 사게 한 작업에 대해 환기시키고자 -미국 화가로써 드물게 일찍- 1915년 시작한 얼마간의 추상미술을 개관했고, 오키프가 20세기의 가장 독창적이고 야심적인 예술 몇 가지를 창조했다는 부정할 수 없는 사실에 다시 주목한다. 표면, 규모, 색에 대한 그녀의 개념은 파격적일 뿐 아니라, 바넷 뉴먼 Barnett Newman, 밀턴 에버리 Milton Avery, 마크 로드코 Mark Rothko, 모리스 루이스 Morris Louis와 메리 헤일만 Mary Heilmann처럼 다양한 화가의 작업과 또한 컬러필드페인팅Color Field painting, 서정추상주의Lyrical Abstraction와 현대 포스트모던 추상화Postmodern Abstraction의 전조가 되었다. 그중 최고는 그녀가 신비롭고 추상적이고 본질적인 것을 한 번에 느끼게 하는 추상화를 만드는 공식적으로 독창적, 낭만적인 활동가라는 것이다. 1940년대 추상표현주의와 초현실주의에서부터 1950년대와 1960년대의 하드에지, 팝아트, 옵아트, 미니멀리즘에 이르기까지 미국 모더니즘 양식들의 기원을 이해하는 데 결정적인 단서를 제공한다.
;The Whitney Museum’s revelatory survey of the work that earned O’Keeffe such derision, the evocative, more-or-less abstract art she made starting in 1915 -- phenomenally early for an American artist -- should reopen eyes to an undeniable fact: O’Keeffe produced some of the most original and ambitious art in the 20th century. Her ideas about surface, scale and color are not only daring; they presaged the work of artists as varied as Barnett Newman, Milton Avery, Mark Rothko, Morris Louis and Mary Heilmann, as well as Color Field painting, Lyrical Abstraction and contemporary postmodern abstraction. At her best, she is a formally inventive poetic powerhouse who makes the nonobjective feel mystical, familiar, objective and subjective all at once.

1887년 위스콘신의 농촌에서 가난하게 태어난 오키프는 텍사스에서 일했고 사우스 캐롤라이나에서 교수하고, 일리노이와 버지니아에서 미술공부를 했다. 순조롭지 않은 그녀의 인생에 휴식은 단지 그녀가 교수로 가르칠 때였다. 1916년 허가증을 취득 없이 있던 뉴욕의 어느 날, 여자 친구가 그녀의 목탄으로 그린 추상화를 유명한 사진가이자 뉴욕에서 잘나가는 ‘291 갤러리’의 경영자인 알프레드 스티글리츠 Alfred Stieglitz에게 보여주었다. 그의 대담한 눈으로 그는 즉시 그녀의 가망성을 알아보았다. 그는 ”종이위에 자신을 이렇게 완전하게 표현하는 여성을 본적이 없다.. 전시에 내보여도 좋겠어.”“드디어 회화사에 진정한 여성화가가 나타났다.”
;Born poor in 1887 on a farm in Wisconsin, O’Keeffe worked and taught and studied art in Texas, South Carolina, Illinois and Virginia. Just when it appeared she’d be a teacher for the rest of her life, fate stepped in. On New Year’s Day, 1916, without obtaining her permission, a girlfriend showed O’Keeffe’s abstract charcoal drawings to the legendary photographer-proprietor of New York’s great 291 Gallery, Alfred Stieglitz. With his intrepid eye, he instantly recognized her promise; he’d "never seen a woman express herself so fully on paper. . . I wouldn’t mind showing them."

5월, 스티글리츠는 그녀의 목탄화 10점을 그룹전에 걸었다. 그 후 얼마안가 그녀는 “열정적이고, 사악하고, 파괴적”(기혼자)인 스티글리츠에게 빠졌다고 친구에게 털어놓았다. 1918년 오키프 나이 30, 뉴욕으로 이사했고, 수주 만에 54세의 스티글리츠의 연인이 되었다. 오키프가 그에게 쓴 편지 중 “더 넓게 펼쳐지기를 원한다”라는 묘사에서 그들이 열렬한 관계였음을 알 수 있다. 와우! 정말 뜨겁다!
;In May, Stieglitz hung ten of her charcoals in a group show. Soon thereafter, she confessed to a friend that she had fallen for the "hot, dark, destructive" (and married) Stieglitz. In 1918, O’Keeffe, 30, moved to New York and within weeks became the 54-year-old Stieglitz’s lover. It was an ardent union, judging from O’Keeffe’s letters to him, one of which described being "on my back -- wanting to be spread wide apart." Whew! That is hot!

1918년의 혼전임신만큼 충격적인(1924년에 그들은 결혼했다)- 45장의 주로 오키프의 누드사진이 포함된 1921년에 스티글리츠가 찍은 사진은 그들을 마치 예술계의 브란젤리나로 변모시킨다. 스티글리츠는 ”사진을 찍을 때 사랑을 나누었다.”라고 말했다. 훗날 사진 촬영의 “열기와 흥분”에 대해 오키프는 “사진처럼 우리 안에 들어올 수 있는 건 없었다.”고 회고했다.
;As revolutionary as living out of wedlock was in 1918 (the couple married in 1924), a 1921 survey of Stieglitz’s photographs, including 45 pictures of O’Keeffe, many of them nudes, transformed the two of them into the equivalent of an art world Angelina Jolie and Brad Pitt. Stieglitz said, "When I make a photograph I make love." O’Keeffe, who later recalled the "heat and excitement" of the photo sessions, opined that "nothing like them had come into our world before."

하지만 스트글리츠를 유명하게 만든 그의 동일한 누드사진은 오키프에 대항하는 것이었다. 평생 그녀의 작품은 단지 성적인 것으로만 보였다. 오키프는 “사람들이 내 그림 안에서 성적인 기호를 읽을 때 자신들의 정사에 대해 솔직하게 말했다.”고 말했다. 그럼에도 그녀의 작품이 성적이라는 착각은 그녀를 철저히 파괴시켰다. 1921년, 그녀는 자신이 “언제나 슬펐다.”고 회고했다.
;Yet the same nude photos that made Stieglitz famous triggered a backlash against O’Keeffe. Forever after, her work was seen in purely sexual terms. "When people read erotic symbols into my paintings they’re really talking about their own affairs," O’Keeffe said. Still, the sexualized misconceptions of her work devastated her. "I almost wept," she wrote of one review in 1921.

큐레이터 바바라 헤스켈 Barbara Haskell이 기획한 휘트니미술관 특별전은 125점 이상의 작품과 그 중 스티글리츠의 초상화는 12점 이상 있다. 오키프의 그림에서 당신은 절제와 침묵 그리고 엄청난 상상력과 맞닿게 될 것이다. 이상하게 전시가 방어적인 느낌이도록, 마치 오키프의 원래모습이 이상하고 신비롭고 외설적인 것을 두려워하는 것처럼 성적인 정합이 거의 없다. 나는 20, 30, 40년대의 추상과 자연의 시험적인 도피와 일시적 관심의 위협을 감상했다.; 일종의 자연, 일종의 애매한 조형의 50년대 ;괴팍한 평면의 60년대 작품 ; 대체로 소산된 70년대 작품.
;The Whitney’s focused show, carefully organized by curator Barbara Haskell, includes over 125 works and more than a dozen Stieglitz portraits. What strikes you about O’Keeffe’s paintings is their restraint and reticence. And the astounding imagination. The sexuality barely registers -- which makes the show feel strangely defensive, like it’s scared to let O’Keeffe be as weird, mystical and suggestive as she really was. I would have appreciated more of her terrified, tentative retreats from and flirtations with abstraction and nature in the ‘20s, ‘30s and ‘40s; her kind-of-like nature/kind-of-figurative hedged bets of the ‘50s; the oddball flat ‘60s abstractions; the almost-dissipated ‘70s works.

이것은 외설스럽다. 하지만 그녀의 가장 현대적 작업양식과 그녀에게 영향을 미친 아서 도브 Arthur Dove와 비교해보면 이것은 “성기에서” 를 탈피한 오키프가 아니라 도브였다. 도브는 물리적으로 오키프와 복잡한 에밀리 디킨슨 Emily Dickinson에 월트 휘트먼Walt whitman의 저서 <풀잎>을 품은 작업을 했다. 오키프의 예술은 체계적이고 층이 있고 추상적 소네트같이 엄격하고, 자신감 넘치고 지적이다. 오키프는 꽃의 ‘여성적’ 이미지에 전복의 가능성이 잠재해 있다는 걸 이해하고 있었다. 오키프 이전의 모든 여성 화가들은 남성들의 지배 아래 있었다. 그러나 오키프의 작품 양식은 오직 그녀만의 것이었다. 조지아 오키프는 화단에서 진정으로 남자들의 영향에서 벗어난 첫 번째 여성 화가다.
;There are naughty bits. But when compared with the work of her closest stylistic contemporary and influence Arthur Dove, it is Dove, not O’Keeffe, who comes off as being "about sex." Dove plays the brooding, physical Walt Whitman of Leaves of Grass to O’Keeffe’s intricate Emily Dickinson. Dove’s touch has sensual weight, animalistic body and shadowy intensity. O’Keeffe’s art is Spartan, Apollonian and cerebral -- structured, layered and faceted like abstract sonnets.

헤스켈은 우리에게 오키프의 초기 종이작업과 모든 부분에서 적용되는 흥미와 전혀 장식적이지 않은 이론적으로 완전히 분리되지 않도록 마법을 부릴 수 있는 그녀의 초자연적인 능력을 맨 처음 두개의 주요 전시실에서 보여 준다 그중 어떤 것은 도널드 주드 Donald Judd가 수십 년 후에 만든 것도 있다. 스티글리츠가 찍은 그야말로 (머리를 길게 늘어뜨린 눈부신) 매력적인 오키프의 사진이 있는 전시실을 지나면 3번째 전시실부터는 오키프의 보석처럼 강렬한 무지갯빛 색과 화려한 얇은 평면으로 이어진다. 그녀는 결코 과하지 않고 외부의 격렬한 느낌에서 관계하는 그녀의 내부형태는 오히려 순수한 피타고라스의 기하학처럼 보인다.
;In the first two knockout rooms of the Whitney’s show, Haskell gives us O’Keeffe’s early works on paper and her uncanny ability to conjure indivisible abstract wholes in which all parts are of equal interest and never decorative -- something Donald Judd made good on decades later. Aside from one darkened gallery of Stieglitz’s super-seductive pictures of her (who knew underarm hair could be so titillating?), from the third gallery on, you’re lowered into O’Keeffe’s lapidarian vision, glowing prismatic color and luscious thin surfaces. She never overworks anything; the relationship of her interior forms to external edges feels found yet pure as Pythagorean geometry.

그녀는 남자처럼 보이기 위해 수수하게 하고 단호한 인상과 신비적으로 보이기 위해 화장을 어둡게 하는 편이었다. 휘트니에 가면 당신은 거대하게 확대되거나, 잘게 쪼개진, 실체가 없는 모양들로 매끄러운 평면에 오키프만의 화려한 색을 엿볼 수 있다. 동시에 그녀는 스티글리츠(와 폴 스트랜드Paul Strand)의 사진 개념을 회화에 가지고 왔다. 폴 스트랜드는 오키프의 “독보적으로 뛰어난 여성적 직관은 선이나 형태를 통해서뿐만 아니라 지금까지 어떤 그림에서도 볼 수 없던 풍부한 표정을 지닌 색채를 통해 처음으로 구체화되었다.”라고 호평했다.  그녀의 말에 따르면 이 모든 것들이 그녀를 “제 3자 Outsider”로 만들었다고 한다. 초현실적 규모로 바뀐 오키프 고유의 색과 형태는 워홀의 Day-Glo로 색과 대중문화처럼 그녀의 근간을 이루었다. 워홀처럼 그녀는 “심각한 예술”로 만들어지던 고상한 개념을 기꺼이 버렸고  이런 모험은 예술계에서 최고의 모욕인 아가씨, 여자 같은 남자, 예쁜 여자라는 꼬리표를 붙였다. 하지만 그녀는 개의치 않았다. 그리고 휘트니 전에서 드러낸 것처럼 거침없이 아름답고 의미심장하며 괴상하고, 말할 수 없는 기쁨으로 감상적이다. 망할 섹스
;"The men," as she witheringly referred to male contemporaries, tended to paint dark color with gritty surfaces and romantic symbolism. At the Whitney, you see O’Keeffe coaxing brilliant hues onto smooth grounds via colossally magnified, closely cropped, disembodied shapes. At the same time, she’s assimilated Stieglitz’s (and Paul Strand’s) ideas of photography into painting. All these things made her, in her own words, "an outsider." O’Keeffe’s purer color and form, her surreal scale shifts, were as radical for her time as Warhol’s Day-Glo color and pop-culture references were for his. Like Warhol, she was willing to forsake high-minded ideas of what constituted "serious art," and risk being branded with the worst insults the art world could muster: girly, swishy, pretty. O’Keeffe wasn’t afraid of those labels. And as the Whitney show demonstrates, her fearless prettiness is also profound and lyrical -- an eerie, ineffable joy. Fuck sex.

Georgia O’Keeffe
Early Abstraction
1915
Milwaukee Art Museum
Photography by Malcolm Varon
© Milwaukee Art Museum

Georgia O’Keeffe
Early Abstraction
1915
Milwaukee Art Museum
Photography by Malcolm Varon
© Milwaukee Art Museum

Georgia O’Keeffe
Abstraction
1926
Whitney Museum of American Art
© Georgia O’Keeffe Museum/Artist Rights Society

Georgia O’Keeffe
Black Place III
1944
Georgia O’Keeffe Museum
© 1987, Private Collection

Georgia O’Keeffe
Black Spot, No. 2
1919
Collection of Robert and Soledad Hurst
© Georgia O’Keeffe Museum/Artist Rights Society

Georgia O’Keeffe
Blue Flower
1918
Georgia O’Keeffe Museum
© Private collection

Georgia O’Keeffe
Flower Abstraction
1924
Whitney Museum of American Art
© Georgia O’Keeffe Museum/Artist Rights Society

Georgia O’Keeffe
Series I -- No. 3
1918
Milwaukee Art Museum
Photography by Larry Sanders
© Milwaukee Art Museum

Alfred Stieglitz
Georgia O’Keeffe: A Portrait
1918
J. Paul Getty Museum
© J. Paul Getty Trust