Wake Up!

위대한 회귀, THE GREAT REGRESSION
Sept. 29, 2010
by Jerry Saltz

http://www.artnet.com/magazineus/features/saltz/dan-colen9-27-10.asp

2010년에 2007년을 만든 Dan Colen
; Dan Colen is making 2007 art in 2010.

예술의 계절 가을이 - 소문에 의하면 과대투기사업의 마지막이 정리된 한참 후에- 선의한척 하지만 잘못된 콜른과 같은 어리석은 영혼과 함께 시작됐다. 몇 주 전에, 뉴욕타임즈는 발기한 성기에 탈리스(유대인이 기도할때 쓰는 숄)을 매단 자신의 나체사진의 전시 전단지로 2006 베를린에 소란을 일으켰던 작가를 대서특필했다. 이 얼간이가 선생이라는 새로운 삶을 살게 한건 우리에게 피카소와 만초니의 화려한 전시를 선사한 슈퍼스타 메가딜러 래리 가고시안이다. 그러나 거기에는 자신의 영역 표시의 신뢰도를 끝까지 불태우려는 것처럼 보인다.
;The fall art season has begun -- well after the purportedly cleansing end of the bubble -- with the Spirit of Stupidity, stalking us in the form of the well-meaning but misguided Dan Colen. A few weeks ago, the New York Times featured the artist, reporting that he caused an uproar in Berlin in 2006 by posting exhibition flyers that showed him nude with a tallis hanging from his erection. The would-be rabbi breathing life into this golem is superstar mega-dealer Larry Gagosian, who has given us stellar shows of Picasso and Manzoni, but here seems intent on burning up his credibility on a display of dominion.

만약 이 전시가 아무 다른 갤러리에서 했다면, 무시되거나, 최소한 2007년 중 하나의 이벤트로 여겨졌을것이다.  -- 수없이 많은 모조품을 멍청한 컬렉터들이 지나치게 열심히 무분별하게 거래했다. 물론 콜렌이 재능이 없는건 아니다. 그는 트롬프 뢰유(눈속임 그림)도 안다. 그는 달리를 거쳐 디즈니에서 영감을 받아 촛불 대형회화 연작을 포함해 과거에 좋은 작업을 했었다. 그러나 최근 그의 전시는 모두 전략적이고 무미건조하다. -- 아주 객관적이고, 호황시절의 연극조로 쓰여진 각본은 매끄러운 시장원리의 얇은 판으로 귀결되었다. 풍선껌으로 만든 대형 회화는 잭슨폴록과 이브클랭 추상회화의 재탕이다. 거대한 해프-파이프를 뒤짚은 화판은 아마 미니멀리즘을 보여주고 싶었지만, 2002년 Jeffrey Deitch가 그의 갤러리에 보여주었던 볼처럼 둥근 화판을 생각나게한다. “시” 라고 불리는 이 전시에서 마찬가지로 데미안 허스트가 보여줄수 있는 초토화된 기차의 잔해처럼 주의를 끌만큼 재밌지 않았다. 콜렌의 전시는 자생적이지 않다.
;If this show were at almost any other gallery, it’d be ignored, or at least written off as an event straight out of 2007 -- an array of ersatz art calculated to cash in on the mindlessness of overeager, oblivious collectors. Indeed, Colen is not untalented, and he has a way with trompe l’oeil realism. He has made good work in the past, including a series of large paintings of candles inspired by Disney by way of Dali. His current show, however, is all strategy and insipidity -- so clinical and scripted that its boom-time theatricality and market-driven slickness are laminated on arrival. Large pretty paintings made of chewing gum replicate the abstraction of Jackson Pollock and Yves Klein. There’s a huge skateboard half-pipe displayed upside-down that is presumably meant to bring minimalism to mind but just makes you think of the skateboarding bowl Jeffrey Deitch placed in his gallery in 2002. “Poetry," as the show is called, isn’t even fun in the way that, say, a Damien Hirst show can be, as a train wreck of attention-getting desperation. Colen shows not a lick of spontaneity.

소문에 30만 달러를 웃돌던 작품을 아마 거의 다 팔아치워 텅빈 가고시안을 우리는 무시할수 없다. 그리고 그들의 자체 협정은 사라지지 않을것이다. 우리는 모두 이것을 밝혀내야 한다. 문제는 어떻게 그것에 대해 얘기 하고, 무엇을 해야하냐는 것이다. 저항은 무의미한것인가?
;Emptiness at Gagosian -- with prices rumored to be around $300,000 and all the work supposedly sold -- can’t be ignored, and won’t go away of its own accord. We all have to discuss it. The question becomes what to do, how to talk about it. Is resistance futile?

문제는 더이상 갈 곳 없는 게임속에서 단지 기꺼이 볼모가 된 콜렌이 아니다. 그것은 그의 잘못된 생각들, 그리고 겉만 번지르르한 가고시안과 냄새나는 다른공간의 텅빈 스펙타클한 세상이다. 옛날 1990년대, 예술은 작가-딜러-구매자의 집합체를 비판하기 위해 컬렉터를 유인하는 구조와 연좌하려고 저속하게 강제적으로 내부를 교란시키는 체계가 있었다. 많은 사람들은 대체로 각광받는 아무 아티스트, 딜러, 큐레이터의 거대 산업의 비싼 작품을 소유했다. 콜렌이 치즈로 그림을 그리고, 오토바이를 발로 차서 넘어뜨리고. 스케이트보드 경사로같은 하이/로우 아트는 이제는 이미 구태의연한 사고 정도가 아니다. 이것은 더이상 누구도 거들떠보지도 않는 예술의 구시대적 사고에 대한 낡은 예술이다. 이 시점에서, 워홀, 리차드 프린스, 다카시 무라카미와 제프쿤스의 발자국을 따라 계속 파생되고, 완전히 자동적으로, 그리고 가능한 변형되어 나타나고 있다. 콜렌은 더이상 존재하지 않는 것을 숭배하면서 아무것도 변하지 않는것처럼 행동한다. 사람들은 마치 social light의 울타리 안에서 쫓겨나 초대받지 못할까 두려운 것처럼, 예술이 나쁘다고 많이 말하는 것을 두려워하는것 같다. 
;The problem is not so much with Colen himself, who is just a willing pawn in a dead-end game. It’s his kind of faulty thinking, and the brassy, vacuous spectacles staged at Gagosian and elsewhere, that are poisonous. Once upon a time in the 1990s, art that wanted to be complicit with the system, that tried to lure collectors as it criticized the artist-dealer-buyer complex, had an edgy Trojan-horse coerciveness. A lot of people got rich creating a gigantic industry of artists, dealers, and curators who’d do almost anything for the limelight. By now, Colen’s high/low art -- paintings made of cheesy materials; kicked-over tricked-out motorcycles; those skateboard ramps -- is not only lazy thinking. It is old-fashioned art about old-fashioned ideas about commodity-art-about-art that no one cares about anymore. At this point, continuing to follow in the footsteps of Warhol, Richard Prince, Takashi Murakami and Jeff Koons appears derivative, completely mechanical, and possibly corrupt. Colen fetishizes a moment that no longer exists, and behaves like nothing’s changed. People seem scared to say a lot of this art is bad; it’s as if they fear being uninvited, cast out from the circle of social light.

전시가 중단될정도로 값비싸고 호화롭게 만들어진 전시는 개인전이 사람들을 끌어모으기 어렵게 만들었다. 이런 현란한 종류의 선전들이 사라지고 전시회는 방을 벗어나면 온통 실망스런 분위기다. 그러나 콜렌의 전시는 희망의 이유이기도 하다. 오늘날 자본은 몇년 전에 그랬던것처럼 완전히 예술 담론을 지배하지 못하면서, 아무것도 없이 이런 강렬한 환대 속에 힘없이 물러나버린 시스템의 양상이 재생되기를 노력한다. 나는 그것이 스스로를 지켜낼거라 생각한다. 진짜 얼간이를 제외하고, 대부분의 사람들은 본능적으로 대기업이 무의식적으로 더이상 좋지 않다는 것을 안다. 더이상 그 자체가 끝이 아니기 때문에 당신이 다른 어떤 것을 할 수 있는 것이다. 권력에 의존하고 풋내기들을 속이는시대는 지나갔다. 직감은 다시 돈보다 더 중요해졌다. 앤디워홀이 “상업미술”의 미래에 대해 유명한 말을 했다. 우리는 여기 있지만, 예술은 없다. 단지 사업가만 있다.
;Highly produced show-stopping extravaganzas make it hard for more personal shows to gain traction. It’s frustrating that just when these sorts of gaudy gestures were going away, a show like this sucks all the air out of the room. But the Colen show is also a reason to hope. Now that money is not dominating art-talk as thoroughly as it did a few years ago, attempts to play this aspect of the system come off as hollow, high-octane celebrations of nothing. I think that this will take care of itself. Except for the real dupes, most people instinctively know that big is no longer automatically better, doing something just because you can is no longer an end in itself, hunger for power and snowing rubes is old hat, vision is again more important than money. Andy Warhol famously talked about a future of “business art." Here we have that, but without the art. Now we’re just getting the business.

Photo by Robert McKeever